【博物之島專文】不只是聽歌——評《唱 我們的歌 流行音樂故事展》常設展
臺北流行音樂中心文化館常設展《唱 我們的歌 流行音樂故事展》，讓觀眾彷彿以第一人稱視角，參與流行音樂的變遷及演出。（臺北流行音樂中心 提供）
作者：
張致堯（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士生）
蔡振家（國立臺灣大學音樂學研究所副教授）
陳佳利（國立臺北藝術大學博物館研究所教授）
位於南港的臺北流行音樂中心，常設展《唱 我們的歌 流行音樂故事展》於2021年9月起對外開放。展覽分成12個主題展區，分佈於文化館4至6樓，展出超過一千件有關臺灣流行音樂的物件，並透過耳機播放超過一百首流行歌曲。此展覽希望讓觀眾認識臺灣流行音樂的發展，除了一開始的年表區以編年的方式呈現外，其他各個展區從不同主題切入，以社會與音樂產業發展脈絡為背景，呈現流行音樂的多元樣貌。觀眾從臺北圓環，一步步走進電器行、電影院、廣播室、錄音室等流行音樂的相關場景，最後以演唱會的現場模擬作為終點。
以下，筆者將分析這個展覽的四種展示手法：聲音的使用、場景與視覺元素的烘托、文物的陳列與展示、模擬音樂現場，其中第一、四種為音樂展覽的特色。
在名人導賞下 沉浸於音樂之中
觀眾透過感應式耳機，邊聽音樂邊看展品，為此展覽的一大亮點。當耳機流洩出串燒的熟悉歌曲，音質令人驚艷不已；展覽宣傳中提到「行走的演唱會」之沉浸式體驗效果，確實形容得很貼切。
觀眾走到每個展間，會在感應式耳機中聽到一段簡潔優雅、饒富韻律的引言，有多位重量級音樂人在此獻聲，包括李宗盛、文夏、陶晶瑩、羅大佑、陶曉清、陳綺貞、五月天阿信、王力宏等。他們的「氣口」頗具音樂性，讓引言顯得意味深長。
交織場景與視覺元素的展示手法
展覽雖然以音樂為主題，但也非常強調視覺畫面，並以不同的場景來烘托，帶給觀眾耳目一新的感受。
「臺北圓環」以圓環模型為核心，透過海報投影，呈現早期的流行音樂。「時代電器行」裡電視牆的設計，呈現了觀眾接收流行音樂的各種場合，並透過播放昔日的綜藝節目，回味流音歲月。「臺北戲院」以電影院為場景，播出象徵不同時代精神的電影，如：《梅花》、《魯冰花》、《總鋪師》等，讓觀眾能快速瀏覽電影精華，欣賞片中歌曲。「年輕人的精神世界」則以學生宿舍的房間為背景，利用專輯封面和插畫投影，搭配歌曲串燒，勾畫不同時代年輕人的音樂生活。「火車火車」模擬狹長的車廂，車窗造型的螢幕呈現各種城鄉影像，在此播放的歌曲，紀錄著臺灣的社會變遷。
關於愛情，展覽要說的是？
然而，展覽中也有令人困惑的場景設計。「音樂愛情故事」中央放置白色鋼琴及大樹，播放多首情歌，並在牆上投影出歌詞，惟這些意象與情歌有何關聯？展覽中並未多做著墨。這讓筆者回憶起參觀英國利物浦披頭四博物館的最後一個展間，展示John Lennon生前所演奏的鋼琴，播放他祈求世界和平的經典名曲《Imagine》，強而有力地總結了披頭四的音樂精神。同理，「音樂愛情故事」也應該透過場景設計，點出中文愛情歌曲的特質與內涵。例如有些中文情歌表面上談愛情，骨子裡卻在抒發人生的各種追求與失落；而臺語苦情歌曲中對於「緣分」的怨嘆，也可以跟本土心理學有所連結。
文物的密碼
除了以場景烘托音樂之外，較為傳統的文物展示方式，也應用在幾個展區中。
「唱自己的歌」以校園民歌為主軸，展示樂器、專輯、樂譜等，展品旁的説明牌，記述該物件的歷史意義。「唱片的出生」以器材實物、音樂人手稿、展板文字、製作人訪談影片及錄音室造景，解析歌曲的製程。這兩個展區的展品環繞著特定議題，敘事清晰，觀眾較能從中學習音樂創作的內涵。
然而，如何觀察音樂人的手稿，從中體會歌曲的誕生與成長，或許展覽中可以提供更多的引導與提示。對於好奇心較強的樂迷而言，手稿除了有創作者的光環，更隱藏許多訊息，甚至能從不同的記譜方式，一窺不同音樂人的想法與個性。例如羅大佑所寫的樂譜，是少數以固定音名（五線譜）記譜的樂譜，充滿力量的筆觸，彷彿在告訴樂手：「你就照著譜演奏每個音！」
相較而言，「音樂的魅力」、「音樂現場」這兩個展區，所呈現的物件與歌曲相當繁多，這固然反映了社會轉型、歌曲爆發的現象，然而隨著展品數量增加，擺放就顯得比較制式，除了中間展櫃陳列歌手的表演服裝較吸睛外，其他文物一字排開的陳列方法，似乎讓觀眾難以聚焦。
讓展品說話
即使部分展區的陳列與展示方式較為傳統，但假如展覽中能適時拋出一些問題，引導觀眾對於展品或歌曲做進一步的觀察及思考，也許將更符合博物館教育的理念。
作為臺灣第一個流行音樂的大型常設展，《唱 我們的歌 流行音樂故事展》無疑學習了許多最新的展覽技術，但感應式導覽是以展間而非展品為單元；針對一些特定的展品，觀眾還需要掃描RFID手環來獲得相關資訊，似乎略有不便。這令人想起，2017年英國V&A博物館所舉辦的Pink Floyd回顧展中，觀眾走到不同展櫃前，感應式耳機即針對不同的展品與影片進行導覽解說，效果極佳。
來到音樂現場 聽場演唱會吧!
最後，來到模擬音樂演出現場，打造虛擬演唱會區，這也是音樂展覽獨有的手法。
「音樂現場」的主題是獨立音樂，此展區呈現Live House與音樂祭的相關活動，然而這兩種場域的調性不同，似乎很難在同一個空間中呈現。針對類似的主題，披頭四博物館選擇重建當初樂團發跡的利物浦酒吧，帶給觀眾回到歷史與音樂現場的悸動，這個手法值得參考。
而「生命的現場」以四面投影，輪播五月天、田馥甄….等四組藝人的演唱會，聲光效果十足，相當有臨場感。
何謂臺灣的流行音樂？
當展覽持續以社會史來鋪陳臺灣的流行音樂──如「歌詞裡最美的關鍵詞，是『自由」』」──對臺灣流行音樂的定義也開始出現，即「臺灣流行音樂等於島嶼上的流行音樂」，在此，筆者不禁產生了一些疑問。展覽中強調「臺灣的流行音樂被社會發展主導」，那麼音樂本身有何特質呢？閩客音樂、原住民音樂的色彩，在流行歌中有何變貌？展板中提到香港的「四大天王」，他們的音樂算是臺灣流行音樂嗎？展覽的主題，到底是「臺灣人創作的流行音樂」，還是「在臺灣流行過的音樂」？
相較於國立臺灣文學館的常設展奠基於臺灣文學的研究文獻，臺灣流行音樂的學術研究似乎略顯薄弱。如何讓此類展覽凸顯臺灣流行音樂的特質，讓歌曲及音樂人的故事展現更豐富的意義，是未來可以努力的方向。
參考資料：
- 蕭蘋、蘇振昇（2002），〈揭開風花雪月的迷霧—解讀臺灣流行音樂中的愛情世界（1989-1998）〉，《新聞學研究》70期，頁167-195。
- 【博物之島專文】陳佳汝、陳佳利，2020。展示搖滾再現批判: V&A的Pink Floyd回顧展
- 臺北流行音樂中心《唱 我們的歌 流行音樂故事展》
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